Steve Jobs (or Aaron Sorkin): The Orchestra Conductor

A controversial figure, a man idolised and loathed in equal parts... Steve Jobs. This is the character chosen by Aaron Sorkin for his latest produced screenplay. The reason Sorkin is mentioned before the director -Danny Boyle- or the main actor -Michael Fassbender- would be that this is one of the great screenwriter and masters of dialog of our time; furthermore, he is the orchestra conductor, as the main character defines himself in the film.

The film deals in the minutes prior to the presentation of three relevant products in the history of computers as well as for the chronology of the story written by Aaron Sorkin. Each segment is about thirty minutes long in real time, backstage, where we find the dramatic elements that compose a mathematical three structure act. The introduction takes place the day of the presentation of the first Mac in 1984, whilst the development takes place in 1988, when Steve Jobs came back with a vengeance and showed the world the NeXT personal computer, a venture unrelated tu Apple. We make a leap to 1998 for the last act, with the presentation of the iMac. Throughout the film we get a few nods to what could have been the origin of other Apple devices such as the iWatch, iPad or iPod.

The development is not only mathematical due to juming to a different space and time in each act, but also because we keep going back to the same characters and how their relationship with Steve Jobs change. We find amongst them the relationship between a great Michael Fassbender as the extravagant boss and an amusing Kate Winslet in the role of a Marketing Executive with the patience and familiarity to deal with him. Another important relationship, if not the most, would be between the entrepeneur and the child whose paternity he denied although he did economically maintain her and the mother (Katherne Waterson). The child being played by different actresses for each act (eye-catching and surprising was the youngest of all, Mackenzie Moss). We also see how Jobs interacts with a father figure in the character played by Jeff Daniels, a friend in Seth Rogen and a worker played by Michael Stuhlbarg. All of the actores make the roles their own showing ease in delivering Sorkin’s fast and witty dialogue (which makes sense with Jeff Daniels given his experience in ‘The Newsroom’).

Shot in different formats to show the evolution of time and transition between the analogical and digital age (16mm for the first act, 35mm for the second and digital for the third), the film seems simple in its design, but with the lines on the screenplay, the way in which they come to life with the actors portrayals and the pace of an outstanding editing. Although Danny Boyle has not been mentioned as much, it is one of his best films since “Trainspotting” and “28 days later”. His work is completely in the service of the script, but also employs some interesting and practical visual ideas, as well as working out with his actors the blocking and choreography, always in motion.

Overall, an effective, savvy and precise film, with a great use of the music and a great mise-en-scene. A poetic story of Steve Jobs, the orchestra conductor, who in another layer of analysis would be Sorkin himself.

Steve Jobs -o Aaron Sorkin-: el director de orquesta

Una figura controvertida, un hombre idolatrado y odiado. Empresario, genio, explotador, visionario, artista... Steve Jobs. Este es el personaje escogido por Aaron Sorkin para la última película que escribe. La razón por la que Sorkin es el primer mencionado, antes que su director -Danny Boyle- o el actor principal -Michael Fassbender-; es que uno de los grandes guionistas y dialoguistas de nuestro tiempo es, como el personaje que da título a la película dentro del relato: el director de orquesta. 

La película abarca los minutos previos a la presentación, entre bastidores, de tres productos relevantes dentro del mundo de la informática y son fechas relevantes en la cronología del relato que compone Aaron Sorkin. Cada segmento ocupa algo más de media hora, en tiempo real, entre bastidores donde se sintetizan y concentran los elementos necesarios para componer una estructura de tres actos de forma matemática. La introducción tiene lugar en la presentación del primer Mac en 1984, el desarrollo tiene lugar en 1988 -con un componente de venganza- con la presentación del cubo NeXT, una vez el empresario se encontraba fuera del organigrama de Apple. El desenlace da un salto más largo hasta la presentación del iMac en 1998. A lo largo de la película veremos guiños también a otros dispositivos de la casa como el iWatch, iPad o el iPod. 

El desarrollo de la película no es sólo matemático por dividir esos tres actos en tres instancias espacio-temporales distintas, sino que vemos cómo empieza y cómo cambian las relaciones con una serie de personajes específicos en cada uno de esos tres actos. Los magníficos Michael Fassbender como el extravagante jefe y una interesante Kate Winslet como la directora de marketing con la paciencia y la mano necesaria para tratar con el protagonista. Otra relación con gran peso dramático es la que tiene con su hija, cuya paternidad niega a pesar de hacerse cargo de las necesidades económicas de su expareja -Katherine Waterson- y la niña con una actriz para cada uno de los actos -ojo a Mackenzie Moss, la más pequeña, que se come la pantalla-. A lo largo de los tres actos vemos también cómo trata y cómo evolucionan las relaciones con una figura paternal encarnada por Jeff Daniels, un amigo en Seth Rogen y un trabajador en el personaje de Michael Stuhlbarg. Todos ellos recitando los agudos e ingeniosos diálogos de Sorkin con gran comodidad (Jeff Daniels tiene experiencia en eso con The Newsroom). 

Rodada en distintos formatos para retratar el paso del tiempo de la era analógica a digital (rodada en 16mm el primer acto, 35mm el segundo y digital el tercero), la película es sencilla en su concepción, pero con esos diálogos sobre el papel, la forma en que cobran vida en boca del elenco actoral y con un gran montaje que siempre mantiene el ritmo. Danny Boyle, del que parece que me he olvidado, entrega uno de sus mejores trabajos desde Trainspotting o 28 días después. Se trabajo está completamente entregado y al servicio del guión, pero con algunas ideas visuales interesantes, además de destacar su trabajo en el blocking con los actores, en constante movimiento.

En definitiva, una película solvente, eficaz y precisa, con un muy buen uso de la música, y una gran la puesta en escena y montaje. Un poético relato sobre, Steve Jobs, el director de orquesta, que en otro plano de lectura sería el propio Sorkin.

The Martian: Ultimate Survival

The latest Ridley Scott film has a strong and unceremonious beginning. We’re on the surface of the red planet with a crew of astronauts when a storm catches them by surprise. After Mark Watney (Matt Damon) gets hit by an antena and disappears in the storm. Not being able to establish communication, Melissa Lewis (Jessica Chastain) , believing Watney to be dead, unwillingly decides they should take off before thw whole crew is left stranded on Mars.

The British filmmaker gives no quarters, putting us right there in the moment, not knowing the characters, giving us an adrenaline kick before a solitary first act. We finally get a break when we discover Mark alive. However, he is injured and alone in Mars, unable to contact the rest or the crew or NASA. Mark, a botanist, will have to find a way to survive by rationing the supplies they had for 31 days and cultivate food on martian ground to survive six years, until the next mission to Mars. He will also have to find a way to communicate with us on Earth. When they discover the astronaut is still alive, we move on to a multiple point of view story shared between the stranded astronaut, the crew and NASA. 

There is a marked contrast between how we live what is going on Mars and the rest of the storylines. Whilst the camera and the audience is an invisible and ominous observer of the NASA employees working to get Watney back to Earth and the crew returning to our planet, the approach is different for Watney’s storyline. Ridley Scott combines the ominous observer approach with a great use of GoPro cameras and webcams already equipped in the base camp. One of the main reasons is that Watney is alone and has no one to talk to, and there is a great deal of exposition to understand what is going on in his head, what ideas and decisions he is making and, of course, he offers us the guidance from the physical and botanical point of view. Mark Whatney intends to document what is going on in case he doesn’t survive, narrating and becoming our very own Bear Grylls. This execution probably serves the purpose of translating a first person narrator in Andy Weir’s book into film language. In some occasions we see how he delivers the whole speech and in others the dialogue becomes the vioceover of a montage where we see the character performing and carrying out his plans.

One of the most notable decisions of the filmmakers is the use of humor and sarcasm by the main character. The optimism and humor of the main character makes the film fresh and avoids the film becoming a grey or serious drama, someting that worked pretty well with “Buried” (Rodrigo Cortés, 2010). This wouldn’t normally enhance the dramatic conflict as the character takes things lightly and with such optimism, however they fund ways to subvert this feeling of us believing the main character will make it. What we probably do miss is the main character in the end of the second act, when NASA and their attempts to bring the astronaut back home have much more screen time than Watney at his worst: when time, lack of food and solitude have taken a mental and physical toll on him. Matt Damon and some good attention to detail on Riedley Scott’s behalf work very well when he does get the screen time.

In addition to Damon, Chiwetel Ejiofor, Jeff Daniels and Sean Bean also deliver some good performances, butit seems the talents of an actress like Jessica Chastain aren’t made the most of, opposite to another sci-fi like “Interstellar” (Christopher Nolan, 2014), which shares with “The Martian” two of the main characters and the fact that they are an ode to the scientific and inquisitve spirit. The latest Ridley Scott film is very welcome and one of the most interesting outings of the filmmaker since “The Counselor” (2013). Is it a film to watch? Definately. Like Total Reccall's Douglas Quaid would say: “Get your ass to Mars.”

 

Marte: Último superviviente

La última película de Ridley Scott empieza con fuerza y sin contemplaciones. Estamos sobre la superficie del planeta rojo con una tripulación de astronautas cuando una tormenta les sorprende y perdemos de vista a Mark Watney (Matt Damon) tras recibir el impacto de una antena. Con el astronauta incomunicado y con el tiempo -cronológico y climatológico- en contra, la comandante Melissa Lewis (Jessica Chastain) termina por tomar la decisión de despegar por el bien de la tripulación dejando atrás a Watney, al que cree muerto. 

El director inglés no da tregua en los primeros minutos, sin apenas introducir a los personajes, dispara los niveles de adrenalina del espectador y lo atrapa para lo que va a ser un solitario primer acto. El primer suspiro llega cuando descubrimos a Watney con vida pero sólo en Marte, herido y sin forma de comunicarse con la NASA o sus compañeros. Mark, un botánico, debe ingeniárselas para racionalizar la comida de un mes y cultivar alimento en tierra marciana para sobrevivir seis años hasta la próxima expedición. También encontrará la forma de establecer contacto con la NASA, momento desde el cual se fracciona la focalización, para más tarde intervenir también la tripulación que vuelve a la tierra. 

Hay un contraste de estilos muy marcado entre el relato que sigue al personaje de Matt Damon y los demás. Mientras que la cámara es un mero observador invisible para los empleados de la NASA y la tripulación que comanda el personaje de Jessica Chastain, ocurre algo ligeramente distinto con lo que se nos cuenta desde Marte. Ridley Scott se apoya en las pequeñas cámaras deportivas -tipo GoPro o webcam- que tienen en el campamento base. Uno de los motivos es que el personaje no tiene con quien interactuar y hay mucha exposición, debido a que el espectador quiere y debe entender que decisiones toma y que el astronauta le guíe en términos físicos y botánicos de supervivencia. Mark Watney, dejando un documento de los hechos, se convierte en nuestro Bear Grylls particular y narra e interpela al espectador, sirviendo como una conversión al lenguaje audiovisual de su narración en primera persona en el libro de mismo nombre de Andy Weir. En ocasiones vemos cómo nos hace llegar el discurso íntegro y en otros su voz se convierte en el voiceover de una secuencia de montaje donde vemos cómo ejecuta esas ideas.

Uno de las decisiones más destacadas es el empleo del humor y del sarcasmo por parte del protagonista en esta situación. Esta decisión provoca que la película resulte fresca y no se convierta en un dramón, algo que también hizo con éxito Buried (Rodrigo Cortés, 2010). Aunque esto podría reducir el conflicto dramático y hacer que confiemos totalmente en que Watney se las apañara, ya se encargan de ir invirtiendo las expectativas para que lo pasemos mal. Lo que sí que se echa en falta es al personaje de Matt Damon en la parte final de la película, donde se focaliza la atención en los esfuerzos, problemas y planes de la NASA. En la parte final, donde el tiempo, la escasez y soledad del personaje le han afectado más, se deja de lado ligeramente al personaje cuando más cambiado y afectado está. Aún así, Matt Damon y una buena atención al detalle por parte de Ridley Scott hacen que funcione cuando sí que lo vemos.

Además de Damon, muy acertados están los terrícolas Chiwetel Ejiofor, Jeff Daniels o Sean Bean, pero quizás se echa en falta que se hubiera sacado más partido a una actriz de la talla de Jessica Chastain, como hicieran en una película de ciencia ficción que escoge otros derroteros como es Interstellar (Christopher Nolan, 2014), pero donde ambas comparten a dos de sus protagonistas y tienen en común el ser una oda al espíritu científico e inquisitivo. La última película de Ridley Scott se agradece y resulta de lo más interesante del director en los últimos años desde El consejero (2013). ¿Recomendable? Sí. Como diría el protagonista de Desafío total, Douglas Quaid: “Mueve tu culo hasta Marte”.